记忆的备份，无物不可
杨茂源在HDM画廊的展览"记忆的备份"就像一次发生在博物馆中的探秘。两张一组的图像作品《时髦的女人》（2018）放置在展厅尽头墙面的拐角处，各占一侧白墙。黑白照片里穿着花边衣领的那位女士，一定无法预料到自己的脸庞会被艺术家先用白色水性颜料覆盖，再以类似衣领花纹的笔触勾涂，一张用了红色，一张黑色。
弯折的波状线条，从衣领出发漫过面庞，一直延续到图片外侧的齿状白边，使画面犹如来自远方的邮票。作品题目显出对原来那幅照片的赞美。现在，两幅衍生出来的肖像并没有因失去可辨识的面容而逊色，倒是经由艺术家构造的平面维度打开了可以暂驻的时光。
展厅最后面的展墙被布置成一整块由色彩与图像组合而成的作品《无题（肖像）》，（2018），其中一位皮肤黝黑的男孩照片同样被抹去面容，成为大量纹样的承载者。这次，照片数量达到89幅，男孩面庞上的手绘纹理则需要更细致地考证：马家窑、半坡、阴阳、波斯......加上背景贴纸里采集自世界各地墙面上的色彩，一个有关视觉机制的分析被偶然提示出来：线条，形像，色彩构成了人类已知的文化经验。如果说五官是个人的图腾，那么人类文明中纷繁多元的纹饰便像是集体经验下流露出来的表情，它们在此处缝合。
任何一件艺术品在图像或物质层面，都可以被视为一种现场或事件，构成它们的则有那可见或不可见的时光沉淀。假设时间是波状的，图像便像是流动中的无数波峰。当然，有序的演进过程总会暗藏不可预知的突变。
在位于门口的《无题（蓝色的纹饰）》（2018）这幅画中，笔触将时间刻录下来，似乎在等待某种临界点。每一笔独立却连接着第二笔，完成一排纹理之后与上一排紧密咬合，层层叠加，留下劳作与时间的证据。局部的笔触并不需要负责任何宏观的要旨，更像是对绘画动作的抽象记录。随着数量增加，蓝色波状笔触在看似枯燥的重复之下塑造出一个模拟世界。即使最终临界点没有出现，艺术家的工作依然可以被视为自身与时间的友好共进。
与此类似，耐久的劳作更明显的地出现在另一件镀金作品"羊"（2020）的制作过程中。疫情期间，杨茂源几个月不出门，如工匠一般将这件雕塑一点一点徒手塑造，直到油泥太重开始出现坍塌的危险，才连夜找人来翻模。
为了和展厅里一台固定的空调产生平衡，杨茂源将一尊大理石胸像《天使 1》（2020）放置在展间侧面，这也是整个展览里唯一背对观众并且需要绕行去观看的雕塑。《天使 1》惊呼的表情不乏幽默，它乐于打乱观众的凝视。更有可能的是，它看到了波状时间中的飞跃与碰撞，人类以其特有的好奇与冒失发现了世界的真相，从此跳出自己固化的面部图腾，让脸庞消失在与物的反复绞杀之中。与之前那尊还保留着眼睛、嘴巴、鼻子的《天使1》不同，展厅里的《天使 2》（2020）消失的面容，由漩涡状的石材纹理呈现，自然之力与人为劳动达成默契。
在《无题（卷发）》（2020）与《无题（脸）》（2020）这两件更耐人寻味的胸像上，可以看到一个真正属于造型的自由世界。大理石肖像与不知名的形体结合起来。那熟悉却不在场的面部，被代之以放大的嘴唇，或头顶的奇妙漩涡，两座肖像头部的细发都因为流畅的细线雕刻而充满地中海风貌。
近年来，即便是使用手机拍摄来延伸创作半径，杨茂源也认定自己在创造图像而非摄影。图像就像某种随时包含情状与时间波纹的新物，能够映射出更多日常条件下的发现。例如在《日月》（2018）这件作品里，旅游区里一条平淡无奇的椅子成为了逃逸常规经验的轻巧一跃。工业制品经由照片上的红色块的提醒，直接与恒久的天体吻合起来，让人感到一丝自然的共鸣。
与本次展览同名的一组陶瓷作品《记忆的备份》（2016），则呈现为7组两两相扣的帽子造型。它们的材质是陶瓷，却有着粘土般的外表，色彩温润，自成一体。物在这里是无界的，艺术家将它们从日常的功能状态里解放出来，揭示出"无物不可"[1]的状态。
对杨茂源来说，艺术手法上的物质碰撞，既像是放手的结果，也带着某种明显的审慎态度，这应该与他早年专业的考古经历不无关联。古今世界各种文明的发端与激荡，一直是深深吸引杨茂源的精神沃土，恰如"人类并非仅仅生存于直接的现在。我们生活在一条思想的河流当中，我们在不断地记忆着过去，同时又怀着希望或恐惧的心情展望着未来。" [2]那些戈壁荒漠中难觅人类面孔的古城与风物，总会以另一种形象与当代的目光相遇。—[O]
1
语出：庄子，《齐物论》，"物固有所然，物固有所可；无物不然，无物不可。"
2
语出：汤因比，《历史研究》。
